Oper in London: „New Dark Age“ in Covent Garden

„Im Jahr 2020 ist es plötzlich schwerer geworden, Oper zu machen“. Synchron mit den ersten Noten der ersten von zwei Vorstellungen vor leibhaftigem Publikum, seitdem das Haus Mitte März den Betrieb einstellen musste, wurde das Understatement an der Londoner Covent-Garden-Oper unter raunendem Gelächter aus dem zu rund vierzig Prozent der Kapazität gefüllten Saal als Übertitel auf die Leinwand projiziert. Der Bedarf für Musikdrama sei jedoch größer denn je, fuhr die Erläuterung des Versuchs fort, an den vergangenen Wochenenden Werke aufzuführen, die verkörperten, „wer wir sind und wo wir uns jetzt befinden“. Den Äußerungen von Oliver Mears, des seit 2017 amtierenden Operndirektors, ließe sich allerdings entnehmen, dass die zwei gewagten Mischprogramme, die er an aufeinanderfolgenden Samstagen zusammengestellt hat, eher dafür stehen, wer und wo das Haus sein wolle, wenn es sich von der Last der Tradition befreien könne und sich nicht, nach den Worten ihres Geschäftsführers Alex Beard „in der größten Krise unserer Geschichte“ befände. Die Notlage hat das königliche Opernhaus sogar veranlasst, durch den umstrittenen Verkauf eines Porträts, das David Hockney Anfang der siebziger Jahre von David Webster, einem von Beards Vorgängern gemalt hat, Löcher zu stopfen. Bei der Versteigerung in der vergangenen Woche blieb der Erlös des seinerzeit durch Spenden der Mitarbeiter finanzierten Auftragswerkes mit 12,8 Millionen Pfund einschließlich des Aufgeldes allerdings hinter den erhofften achtzehn Millionen Pfund zurück. Ein Grund mehr, weshalb es mühsamer sein wird, die Maschinerie wieder vollständig in Gang zu bringen. Eine aufregende Chance Während ein kleiner Saal wie die Wigmore Hall sich mit vorbildlichem Elan durchbeißt, erschwert der Aufwand großen Institutionen, wie Covent Garden oder der Royal Albert Hall, die ohnedies unter den jetzigen Beschränkungen nicht mögliche Rückkehr ins Normalleben. In Britannien ist das Musikleben derart drastisch eingeschränkt worden, dass mehr als ein Drittel der Musiker, von denen viele als Freischaffende keine Pandemie-Unterstützung bekommen haben, erwägen, ihren Beruf an den Nagel zu hängen. Umso heftiger die Empörung über eine jüngst verbreitete und schnell wieder zurückgezogene Anzeige der Regierung, die nahelegte, dass junge Baletttänzerinnen – und dem Sinne nach alle darstellenden Künstler – ihre Träume aufgeben und auf Informationstechnik umschulen sollten. Von den zwei Comeback-Spektakeln und einigen Ballett-Potpourris abgesehen, wird sich Covent Garden vorerst mit konzertanten Opern und bezahlten Streams alter Aufführungen behelfen müssen. Die mit der Oper verbundene Kombination aus „Exzess und die Dekadenz“ denn auch als unzeitgemäß bezeichnend, sieht Mears die „Destillation auf die Essenz dessen, was Oper ist“ als aufregende Chance. Gewiss wären die ausgewählten Werke in normalen Zeiten allenfalls auf der kleineren Studiobühne im Keller zur Aufführung gelangt. Außerdem bot die Beschränkung auf britische oder in Britannien lebende Darsteller Nachwuchstalenten des hausintenen Jette-Parker-Förderprogrammes die Gelegenheit, unter der Regie namhafter Regisseur wie Deborah Warner und Katie Mitchell mit Sängern wie Christine Rice und Allan Clayton im Rampenlicht zu stehen. Eine Gelegenheit freilich auch, ein neues Publikum zu erschließen. Das Durchschnittsalter lag vor allem am zweiten Abend mit neuen Werken deutlich unter dem des üblichen Auditoriums. Für den ersten der Austeritäts-Abende hat Mears vier usprünglich nicht für die Oper bestimmte Werke etablierter Komponisten von vier britischen Regisseuren inszenieren lassen. Daher der Titel, 4/4. Am zweiten Abend kamen vier zeitgenössische Komponistinnen zum Zuge, deren den Zeitgeist treffenden Arbeiten unter dem Begriff „New Dark Age“ gebündelt wurden. Den Auftakt machte Händels frühe und aus gutem Grunde nicht allzu oft dargebotene Kantate „Apollo und Daphne“ für Sopran, Bass (in diesem Fall Bariton) und Orchester, deren von Christian Curnyn lebendig dirigierten Barockklänge Adele Thomas mit übereifrigen Regieinterventionen szenisch zu animieren suchte. Mit einer gewaltigen roten Schamkapsel ausgestattet und als Dämon aufmacht, versuchte Jonathan McCoverns Apoll wie ein Berserker der jungen Daphne Alexandra Lowes habhaft zu werden, die sich jedoch lieber in einen Lorbeerbaum verwandelte, als seinen Avancen stattzugeben. Nur am Schluss, als McGovern mit sanftem Bariton vor einem Blätterhaufen gelobte, den Baum mit seinen Tränen zu begießen, ließ sich die emotionale Wirkungskraft ahnen, die Händel später entfalten sollte. In einer fremd gewordenen Welt Auch die beiden darauffolgenden Werke waren mit Gefühl durchtränkt. Mit wunderbar warmen Tönen brachte die Sopranistin Masabane Cecila Rangwanasha die zwischen Wehmut und banger Ahnung schwankenden Stimmungen von Samuel Barbers tonmalerischem Orchesterlied „Knoxville: Summer of 1915“ nach einem Prosagedicht von James Agee zum klingen. Die Regie von Antony McDonald verlieh den lyrisch-rhapsodischen Reflektionen über die verlorene Kindheit etwas Unheimliches, als seien sie Wahnvorstellungen. Grandios, als eine durch die verbotene Liebe zu ihrem in der adonishaften Gestalt des Baletttänzers Matthew Ball auf der Bühne liegenden Stiefsohn Hippolyt in den Wahnsinn Getriebene verkörperte Christine Rice unter Deborah Warners Bühnenanleitung die furiose Kantate „Phaedra“, eine der letzten Kompositionen Benjamin Brittens. Mit ihrer Anlehnung an Händel bot sie ein treffendes Pendant zu „Apollo e Dafne“. Als Gegengewicht zur ergreifenden Zerstörungswut Phaedras diente „Frankenstein!!“, H.K.Grubers kabarettistisches Pandemonium für Chansonnier und Orchester, von Richard Jones mit der ihm üblichen Ironie inszeniert. Wie eine Bartdame im Kuriositätenkabinett aufgemacht, persiflierte Allan Clayton mit toternster Mine die Helden der anarchistisch verfremdeten Kinderreime H.C.Artmanns. Wenn das Bindeglied zwischen den disparaten Stücken von „4/4“ der Wahn war, wirkten die Kompositionen von „New Dark Age“ als seien sie auf die Aktualität der Kolonialismisdebatte und der Corona-Pandemie gemünzt. Der erste Beitrag, „Knife at Dawn“ der britischen Komponistin Hannah Kendall handelt von dem guyansichen Dichter und Aktivisten Martin Carter, der sich der britischen Kolonialherrschaft widersetzt hat. Im Gefängnis ringt der Hungerstreikende mit der Frage, ob er sich pflichtgemäß politisch für sein Land und sein Volk engagieren oder seiner eigentlichen Berufung als Dichter folgen solle. So eindringlich der Bariton Peter Braithwaite das Dilemma des in seinen Hungerhalluzionation von sirenenartigen Stimmen verfolgten Gefangenen erfasst, entbehrt Hannah Kendalls monotone Partitur jeglicher Differenziertheit. Für das zweite Stück, „A New Dark Age“, wurden Auszüge aus den Kompositionen der Amerikanerin Missy Mazzoli, der Isländerin Anna Thorwaldsdottir und der Schottin Anna Meredith zusammengestrickt zu einer Suite, die, untermalt von filmischen Zeitlupenaufnahmen Grant Gees, Gefühle der Isolation und des Verlorenseins in einer fremd gewordenen Welt beschwören. Sowohl die ätherisch in hohem Register schwebenden Frauenstimmen in Missy Mazzolis von der zweiten Kantate aus Dietrich Buxtehudes Oratorium „Membra Jedu nostri“ inspirierten „Vespers for a New Dark Age“ als auch die psalmischen Klänge von Anna Thorwaldsdottirs „Ad Genua“ brachten das Bedürfnis nach Spiritualität in einer kranken Welt zum Ausdruck. Dazwischen die frenetische, Vivaldi mit Eletronika vermengenden Beiträge aus Anna Merediths „Anno“, deren an Vivaldis Winter anspielendes „Low Light“ einen trotz des Textes eher hilfesuchenden als heilenden Schlußpunkt setzte.